POTOMAC, MD, 21 de septiembre de 2018 - El Museo Glenstone de Potomac, Maryland, dará la bienvenida al público el 4 de octubre de 2018, revelando los resultados de una ampliación que comenzó hace cinco años y que por fin ha materializado plenamente la visión de sus fundadores sobre el arte, la arquitectura y el paisaje fusionados en una experiencia integral.

Fundado por Emily Wei Rales y Mitchell P. Rales, Glenstone abrió sus puertas en 2006 incluirá a partir de ahora un nuevo edificio museístico de 204000 metros cuadrados llamado Pavilions, diseñado por Thomas Phifer, de Thomas Phifer and Partners; otras 130 hectáreas de praderas onduladas, bosques y arroyos, diseñados por Adam Greenspan y Peter Walker, de PWP Landscape Architecture; un centro de bienvenida y librería, y dos cafeterías. El edificio original del museo, de 30,000 pies cuadrados, llamado Gallery, fue diseñado por Charles Gwathmey de Gwathmey Siegel & Associates Architects, y se inauguró en un entorno de 100 acres. Con la adición de sus nuevas instalaciones, Glenstone ofrecerá al público un total de 59,000 pies cuadrados de espacio expositivo interior en dos edificios, con todas las obras procedentes de su propia y renombrada colección de arte moderno y contemporáneo, y 230 acres de paisaje sereno y virgen que incorpora instalaciones de grandes obras de escultura al aire libre.

"Mitch y yo hemos soñado durante años con el día en que podamos abrir el telón y revelar el nuevo Glenstone", dijo Emily Rales, directora y cofundadora de Glenstone. "Ahora, por fin, las instalaciones de arte, los edificios y el paisaje están completos, y la gente finalmente puede encontrar Glenstone en su totalidad, como siempre hemos querido que se vea. Estamos entusiasmados con Glenstone, y esperamos que nuestros visitantes compartan ese sentimiento, ahora y en los años venideros".

"Estamos profundamente agradecidos a todos los que han trabajado con nosotros para crear Glenstone: los grandes artistas que nos han brindado su confianza y colaboración, los arquitectos y paisajistas magníficamente talentosos que han sido nuestros socios, y el personal profesional maravillosamente dedicado que ha vivido este viaje con nosotros en cada paso del camino", dijo Mitchell P. Rales, Co-fundador. "Estamos encantados de dar la bienvenida a las personas que son realmente los colaboradores más importantes de todos: los visitantes para los que hemos construido el nuevo Glenstone".

La entrada a Glenstone es siempre gratuita, con visitas programadas en el sitio web (glenstonestag.wpengine.com) para garantizar una experiencia sin prisas ni aglomeraciones.

La integración de la arquitectura con el paisaje, y de ambos con el arte, es clave en la experiencia de Glenstone. "Consideramos el paisaje como inspiración", explica Thomas Phifer. "La llegada del visitante está organizada entre los árboles y los campos abiertos, intensificando su experiencia con la tierra y revelando las cualidades sutiles del sitio. Desde tus primeros momentos en Glenstone experimentas un lugar con pocas distracciones, el ajetreo de las actividades diarias ordinarias se desvanece y tu mente y alma se preparan para un encuentro íntimo con el arte".

Presentaciones inaugurales en los Pavilions [pabellones]

Los Pavilions [pabellones], construidos con bloques de hormigón apilados e insertos en amplias superficies de cristal, se integran en el paisaje de Glenstone como un elemento natural. Desde el exterior, el edificio parece estar compuesto por un grupo de once estructuras de mampostería separadas, que recuerdan quizás a una ciudad italiana de las colinas. En el interior, los visitantes descubren once salas distintas -cada una con un tamaño, una proporción y un tratamiento de la luz especialmente adecuados a su propósito- conectadas por un Passage [pasaje] con paredes de cristal que rodea un Water Court [patio de agua] de 18,000 metros cuadrados y exuberante vegetación.

Las obras seleccionadas para la instalación inaugural de los Pavilions [pabellones] ejemplifican la filosofía de la colección de Glenstone, representando momentos clave en el desarrollo del arte desde la Segunda Guerra Mundial, un período en el que nuestra comprensión de la naturaleza del arte ha sido continuamente desafiada y redefinida. En el momento de la inauguración, nueve salas de los Pavilions [pabellones] albergan instalaciones individuales de grandes obras o conjuntos de obras.

Las instalaciones de un solo artista, muchas realizadas con la colaboración de los artistas, son:

• dos esculturas a gran escala de Martin Puryear: Big Phrygian [Gran Frigio]), 2010-2014, y The Load [La carga], 2012, ejemplos monumentales de las evocaciones de la historia, la identidad y la lucha del artista (Sala 1)

• el tríptico delMoon Landing [Alunizaje]) de On Kawara, 1969, tres lienzos de gran formato que conmemoran la misión de alunizaje del Apolo 11 del 1969 de julio, que componen uno de los rarísimas agrupaciones de pinturas de fechas del artista designadas como decorado, instaladas en una sala iluminada por el tragaluz (Sala 3)

• ])Untitled [Sin título], 1992, de Robert Gober, una gran obra de instalación de tres secciones presentada en el Dia Center for the Arts, exhibida por primera vez en exposición permanente (Sala 4)

• Collapse [Colapso], 1967/2016, de Michael Heizer, una escultura de 15 vigas de acero colocadas en disposición aparentemente casual dentro del espacio negativo construido de un pozo rectangular (Sala 5), junto con la Compression Line [Línea de Compresión] 1968/2016 de Heizer construida en el paisaje fuera del edificio

• Ever is Over All [Siempre está por encima de todo ], 1997, de Pipilotti Rist, una instalación inmersiva de vídeo y sonido de dos canales con una representación escenificada en la calle (Sala 6)

• cuatro esculturas de Charles Ray-Table [Mesa], 1990, Fall '91 [Otoño' 91], 1992, The New Beetle [El nuevo Beetle] , 2005, y Baled Truck [Camión empacado], 2014- presentadas con la colaboración de Ray como las primeras de una serie en curso (Sala 8)

• Livro do Tempo I, 1961, de Lygia Pape, un conjunto de 365 relieves geométricos de madera únicos, cada uno de los cuales representa un día del año (Sala 9)

• Moss Sutra with the Seasons [Sutra del musgo con las estaciones], 2010-2015, de Brice Marden, una magistral pintura de cinco paneles que es la única obra comisionada por el artista, bañada por una luz natural que entra por las ventanas de la claraboya (Sala 10)

• y cinco esculturas, 1951-1991, de Cy Twombly, seleccionadas en consulta con el artista (Sala 11)

La sala más grande de los Pavilions [pabellones] (Sala 2), con 9,000 pies cuadrados de espacio libre de columnas, alberga una instalación inaugural de 65 obras de arte de 52 artistas, que datan de 1943 a 1989. Mostrando la profundidad y amplitud de la colección de Glenstone, estos ejemplos icónicos de movimientos que incluyen el expresionismo abstracto, Gutai, el modernismo brasileño, el arte povera, el minimalismo y el postminimalismo son de Arman, Ruth Asawa, Jo Baer, Jean-Michel Basquiat, Lynda Benglis, Joseph Beuys, Alighiero e Boetti, Lee Bontecou, Marcel Broodthaers, Alexander Calder, Sergio Camargo, Lygia Clark, Willem de Kooning, Marcel Duchamp, Dan Flavin, Alberto Giacometti, Arshile Gorki, David Hammons, Keith Haring, Eva Hesse, Jasper Johns, Donald Judd, Akira Kanayama, Martin Kippenberger, Yves Klein, Franz Kline, Barbara Kruger, Yayoi Kusama, Sol LeWitt, Agnes Martin, Marisa Merz, Sadamasa Motonaga, Bruce Nauman, Hélio Oiticica, Sigmar Polke, Jackson Pollock, Robert Rauschenberg, Faith Ringgold, Dieter Roth, Mark Rothko, Mira Schendel, Richard Serra, Shozo Shimamoto, Kazuo Shiraga, Frank Stella, Clyfford Still, Atsuko Tanaka, Jean Tinguely, Rosemarie Trockel, Anne Truitt, Andy Warhol y Toshio Yoshida.

A la entrada de los Pavilions [pabellones] se exhibe una obra de Lawrence Weiner, MATERIA TAN SACUDIDA EN SU NÚCLEO QUE CONDUCE A UN CAMBIO DE FORMA INHERENTE AL EFECTO DE LOGRAR UN CAMBIO EN EL DESTINO DE LA MATERIA PRIMARIA, SECUNDARIA, TERCIARIA, 2002, encargada por Glenstone. En el Passage [pasaje] a lo largo del Water Court [patio de agua] se muestran Water Double, v. 3 [Doble de agua v.3 ], 2013-2015, de Roni Horn, dos de los cilindros de vidrio fundido sólido más grandes que el artista ha creado. En la Galería de Exposición (Sala 7), el único objeto fijo es un banco diseñado por Martin Puryear y el fabricante de muebles Michael Hurwitz, en el que los visitantes pueden relajarse, disfrutar de una vista enmarcada de la naturaleza y hojear una selección de libros de arte recomendados por artistas que se presentan en los Pavilions [pabellones]. Puryear y Hurwitz también diseñaron un banco que se instala en una plataforma con vista al Water Court, un banco en el Entry Pavilion [pabellón de entrada] y bancos en todo el Passage [pasaje].

En la Gallery [galería]: Louise Bourgeois: To Unravel a Torment [Desentrañar un tormento]

Desde su apertura en 2006 , Glenstone ha utilizado su edificio de la Gallery [galería] para exposiciones colectivas temáticas y estudios monográficos, el último de los cuales ha presentado las obras de Roni Horn, Fred Sandback y Peter Fischli David Weiss. Cuando se inaugure el nuevo Glenstone el 4 de octubre, la galería se instalará con la exposición temporal Louise Bourgeois: To Unravel a Torment [Desentrañar un tormento]. Este estudio de cinco décadas de logros de Bourgeois, extraído íntegramente de la colección de Glenstone, presenta casi treinta obras, desde las primeras esculturas de madera de «Personaje» de la artista (1947-1954) hasta las instalaciones en forma de habitación que denominó Cells [Celdas] (1990-1993), e incluye una obra maestra recientemente adquirida, The Destruction of the Father [La destrucción del padre], 1974, que supuso un punto de inflexión en su carrera. La exposición, que se inauguró el 2018 de mayo, permanecerá abierta hasta el 2020 de enero.

Esculturas al aire libre en Glenstone

Las esculturas al aire libre integradas en el paisaje de Glenstone incluyen importantes obras de Janet Cardiff y George Bures Miller, FOREST (for a thousand years...) [BOSQUE (durante mil años...)], 2012; Robert Gober, Two Partially Buried Sinks [Dos fregaderos parcialmente enterrados], 1986-1987; Andy Goldsworthy, Clay Houses (Boulder-Room-Holes) [Casas de arcilla (roca-habitación-agujeros)], 2007; Félix González-Torres, Untitled [Sin título], 1992-1995, realizada póstumamente por Glenstone en 2007; Ellsworth Kelly, Untitled [Sin título], 2005; Jeff Koons, Split-Rocker [Balancín partido], 2000, la única obra permanente de esta monumental escultura floral; Richard Serra, Sylvester, 2001, y el encargo Contour 290 [Contorno] 290, 2004; y Tony Smith, Smug [Engreído], 1973/2005, realizada por Glenstone en su versión original de aluminio pintado tras la muerte del artista, en estrecha colaboración con su familia.

La arquitectura y el paisaje de Glenstone

Los visitantes que llegan a Glenstone no entran inmediatamente en el edificio del museo, sino que dejan sus coches en un aparcamiento y se dirigen a un centro de bienvenida independiente, revestido de cedro en el exterior y terminado en el interior con arce blanco. Tras ser recibidos y orientados, los visitantes recorren un breve trayecto, pasan por encima de un arroyo sobre un puente de madera, atraviesan un extenso prado con una escultura al aire libre visible a lo lejos y, a continuación, comienzan a vislumbrar los Pavilions [pabellones] por el sendero contorneado a través de colinas bajas y onduladas, arboladas con algarrobos, robles y tuliperos.

A medida que el camino se curva hacia arriba por una elevación en el terreno, los visitantes finalmente obtienen su primera vista completa de los Pavilions [pabellones], que en este punto parecen ser un grupo de formas simples de mampostería, que varían en tamaño e incrustadas en la parte superior de un montículo. Es solo cuando entran en el Entry Pavilion [pabellón de entrada] y luego descienden al nivel de la Gallery [galería] que disciernen que las estructuras aparentemente separadas de los Pavilions son, en realidad, un anillo de habitaciones conectadas por el Passage [pasaje] con paredes de vidrio que bordea el Water Court [patio de agua].

La luz natural es fundamental en el diseño de los Pavilions [pabellones]. La mayoría de las habitaciones tienen grandes claraboyas o luces que proporcionan una luz diurna equilibrada desde arriba. El juego de luces y sombras varía a lo largo del día y, a medida que cambian las estaciones, la luz fluctúa, revelando cualidades sutiles en las obras de arte y proporcionando una experiencia visual más natural y matizada.

Para acentuar sus encuentros con el arte, los visitantes pueden salir al Water Court para pasar un momento tranquilo y contemplativo con el aire libre, el cielo y las plantaciones de nenúfares, juncos e iris que cambian a lo largo de las estaciones. Desde el interior del Water Court, también es posible apreciar cómo los materiales primarios de los Pavilions evocan un diálogo directo, atemporal y elemental con el entorno natural. Los exteriores están hechos de bloques apilados de hormigón fundido, vertidos individualmente para medir seis pies de largo, un pie de alto y un pie de profundidad. Aunque no se utilizó ningún pigmento que altere el color, el método de vertido y la mezcla de cemento y arena dan como resultado ligeras variaciones en el color gris claro y en la textura. Este acabado contrasta con la suave precisión de las ventanas, que han sido especialmente diseñadas con paneles de vidrio de hasta nueve pies por treinta pies y están colocados al ras en parteluces de acero inoxidable. Las superficies de vidrio y los bloques de hormigón forman una piel sin costuras que une los espacios interiores y exteriores del edificio.

Al igual que Thomas Phifer diseñó la arquitectura como parte de la experiencia del paisaje y el arte, PWP Landscape Architecture ha diseñado el paisaje para integrarlo con el arte y la arquitectura. "En lugar de centrar el diseño paisajístico en torno a los edificios y convertirlos en destinos singulares", explica Adam Greenspan, "propusimos desde el principio unificar la propiedad como un destino en su totalidad, fuera de la ciudad. Nuestro objetivo es ralentizar la experiencia del entorno, cambiando su ritmo diario y sus expectativas de las plantaciones ornamentales suburbanas. Los visitantes se acercarán a una forma integrada y relajada de centrarse en el arte y la arquitectura, dentro de un paisaje casi rural que pone en primer plano las cualidades dinámicas de la naturaleza".

El diseño paisajístico integra senderos para caminar, puentes y arroyos, prados y bosques restaurados. Glenstone ha plantado más de 8,000 árboles en el sitio desde su apertura en 2006 y ha desarrollado aproximadamente 33 acres de tierras de pastoreo cortadas en praderas sostenibles con una variedad de flora autóctona. La entrada de visitantes está enmarcada por muros de piedra en seco construidos por un maestro artesano con piedra procedente de una cantera cercana.

Glenstone gestiona su paisaje a través de métodos exclusivamente orgánicos, apoyando una amplia gama de ecosistemas locales y manteniendo un equilibrio entre la flora y fauna autóctonas y las estructuras artificiales del museo. Como parte de su compromiso con la sostenibilidad, el nuevo Glenstone incorpora un Centro Ambiental independiente, una instalación educativa y de mantenimiento de usos múltiples donde, en 2019 años, los visitantes pueden aprender sobre las técnicas practicadas por el museo, incluido el compostaje en el lugar, la elaboración de té de compost, la gestión del paisaje natural, la reducción de desechos, el reciclaje de materiales y la conservación del agua.

Publicaciones

Con motivo de la reapertura, Glenstone ha publicado una serie de libros sobre la obra de los artistas representados en la colección, disponibles en el museo o a través de Artbook | D.A.P. (www.artbook.com). Editadas por Emily Wei Rales en colaboración con el personal curatorial de Glenstone y con textos originales de una variedad de académicos, las publicaciones a todo color, ampliamente ilustradas incluyen un catálogo que acompaña a la exposición Louise Bourgeois: To Unravel a Torment [Desentrañar un tormento] y monografías sobre algunos de los artistas que se muestran en los Pavilions [pabellones]. Además, Glenstone ha publicado una Field Guide de 64 páginas fácil de visitar, con entradas alfabéticas de 56 colaboradores sobre el arte, la arquitectura y el paisaje del museo e ilustraciones alegres de Jordan Awan.

Acerca del Museo Glenstone

Glenstone, un museo de arte moderno y contemporáneo, está integrado en más de 230 acres de pastos suavemente ondulados y bosques vírgenes en el condado de Montgomery, Maryland, a menos de 15 millas del corazón de Washington, DC. Creado por la Fundación Glenstone, una organización sin fines de lucro, el museo abrió sus puertas en 2006 y ofrece un entorno contemplativo e íntimo para experimentar obras de arte y arquitectura icónicas dentro de un ambiente natural.

Glenstone está abierto de jueves a domingo, de 10 a.m. a 5 p.m. Los visitantes están invitados a explorar los terrenos por su cuenta o unirse a uno de los varios recorridos de esculturas al aire libre que se ofrecen durante todo el día. La entrada a Glenstone y el estacionamiento son gratuitos y las visitas se pueden programar en línea en glenstone.org. Las visitas en el mismo día se pueden programar a través del sitio web o un teléfono inteligente. Ten en cuenta que Glenstone está cerrado al público hasta la gran reapertura el 4 de octubre.

Imagen: El Water Court [patio de agua] de los Pavilions [pabellones]. Foto: Iwan Baan. Cortesía: Museo Glenstone.

Consultas de los medios de comunicación: press@glenstone.org

Consultas generales: info@glenstone.org

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