Con seis obras prestadas por el Museo Glenstone y esculturas permanentes de Joel Shapiro y Deborah Butterfield

(WASHINGTON) - El Centro Kennedy anunció hoy su presentación inaugural de arte visual que se presentará en el REACH, el proyecto de expansión del siglo 21 del Centro. Diez obras realizadas en una rica diversidad de medios estarán expuestas en el recinto desde su inauguración, incluyendo seis piezas en préstamo del Museo Glenstone en Potomac, Maryland; esculturas de Joel Shapiro, Deborah Butterfield y Roy Lichtenstein; y un tapiz mural de Sam Gilliam. Todas las obras estarán a la vista del público a partir del 7 de septiembre de 2019.

“Mientras nos preparamos para abrir por primera vez las puertas del REACH —con una celebración de 16 días repleta de actividades de artes escénicas— invitamos a los visitantes a hacer una pausa y reflexionar sobre esta colección de obras visuales que complementa nuestra programación artística habitual”, comenta Deborah F. Rutter, presidenta del Kennedy Center. "Estamos increíblemente agradecidos a todos los artistas y galerías, especialmente a Glenstone, cuyas obras adornarán el nuevo campus, compartiendo un legado de arte visual que se extiende desde la época del presidente John F. Kennedy hasta hoy".

“Para Glenstone es un honor contribuir a la celebración de la ampliación del Kennedy Center, y aplaudimos sus esfuerzos por aumentar el acceso del público a uno de los tesoros de nuestra nación”, añade Emily Wei Rales, directora y cofundadora del Museo Glenstone. “Las obras de Glenstone en préstamo abarcan el período desde la presidencia de JFK hasta 2018, y representan la diversidad de orígenes y perspectivas que constituye la esencia de nuestra democracia. Esperamos que sontibuyan a enriquecer la nueva y magnífica experiencia que el Kennedy Center ofrece al público".

Las seis obras en préstamo de Glenstone para la inauguración del REACH establecen el comienzo de un programa de préstamo entre el Kennedy Center y Glenstone, con el potencial de ceder decenas de obras en los próximos años. Las 10 obras en exhibición —medio siglo de arte visual que incluye pinturas, esculturas, fotografías y ensamblajes de técnica mixta— reflejan una amplia variedad de expresiones, desde la abstracción estética pura hasta el compromiso social directo. Todas las obras han sido obtenidas mediante donaciones y préstamos especialmente para el REACH.

ACERCA DE GLENSTONE

Glenstone, un museo de arte moderno y contemporáneo, se encuentra ubicaso en casi 300 acres de pastizales suavemente ondulados y bosques vírgenes en el condado de Montgomery, Maryland, a menos de 15 millas del corazón de Washington, D.C. Establecido por la Fundación Glenstone sin fines de lucro, el museo abrió sus puertas en 2006 y ofrece un entorno contemplativo e íntimo para experimentar obras de arte y arquitectura icónicas dentro de un entorno natural.

Glenstone abre de jueves a domingo, de 10 a. m. a 5 p. m. Los visitantes también pueden explorar el recinto o participar en recorridos autoguiados de esculturas de 12 a 4 p. m., cuando los guías están presentes. La entrada a Glenstone es gratuita y las visitas se pueden programar en línea en: glenstonestag.wpengine.com. Las visitas en el mismo día se pueden programar a través del sitio web o un teléfono inteligente.

ACERCA DE LAS OBRAS

Faith Ringgold

American People Series #4: The Civil Rights Triangle [Pueblo Americano, Serie 4: El Triángulo de los Derechos Civiles], 1963

Óleo sobre lienzo

Prestado por el Museo Glenstone, Potomac, Maryland

Faith Ringgold pasó el verano de 1963 en Martha’s Vineyard, alojándose con una amiga que era miembro de la NAACP y participaba en el movimiento por los derechos civiles que estaba transformando rápidamente el país. Ringgold observó las incómodas interacciones sociales entre negros y blancos y se inspiró para crear American People Series [Serie Pueblo americano] acerca de "la paradoja de la integración que sienten muchos estadounidenses negros". Las figuras de Ringgold no son individuos específicos, pero reflejan la estructura política dentro del movimiento. Un hombre blanco está en la cúspide de este triángulo, aludiendo al liderazgo blanco dominante desde hace mucho tiempo en la NAACP. Dos hombres afroamericanos con trajes pueden hacer referencia al papel destacado de los abogados de la NAACP, así como al de los pastores en la iglesia negra. Dos jóvenes negros forman la base, posiblemente miembros de los consejos juveniles que fueron los “soldados rasos” del movimiento. Ringgold, una feminista apasionada, era muy consciente de que las mujeres no habían encontrado un lugar en el movimiento por los derechos civiles, y creía que “el mundo ignoraba a las mujeres de todas las razas”.  Aborda temas de identidad e igualdad como artista, escritora, performer, activista social y profesora. Hoy en día es más conocida por sus colchas narrativas figurativas. 

Sam Gilliam

Carousel Light Depth [La profundidad de luz del carrusel], 1969

Acrílico sobre lienzo

Cedida por el artista

Sam Gilliam llevó la espontaneidad artística a nuevos niveles, permitiendo que la pintura acrílica diluida fluyera sobre el lienzo como un río de colores vibrantes y luminosos. Luego, liberó el lienzo del bastidor para que flotara libremente, enrollándose y plegándose en arreglos sensuales. Carousel Light Depth [La profundidad de la luz del carrusel] es de 75 pies de tela, deslumbrantemente saturada de rosas, morados, verdes, azules y plateados, fruncidos y drapeados, majestuosos en su vasta extensión. Gilliam estuvo firmemente comprometido con la abstracción estética durante una década marcada por tensiones raciales y una guerra controvertida. Pero en el mismo año que hizo Carousel Light Depth [La profundidad de la luz del carrusel], también creó un conmovedor tributo a Martin Luther King, donde las manchas rojas y moradas evocan las heridas sangrantes del mártir defensor de los derechos civiles y activista contra la guerra. Gilliam sirvió tres años en el Ejército, luego se mudó de Louisville a Washington, D.C. en 1962.  Sus amplios lienzos y colores exuberantes evocan el optimismo renovado de la presidencia juvenil de John F. Kennedy.  Su arte ha sido celebrado en museos y colecciones de todo el mundo durante décadas

Roy Lichtenstein

Brushstroke [Pincelada], 1996-97

Aluminio pintado

Cedido por el Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn

Roy Lichtenstein irrumpió en el mundo del arte a principios de los años 1960 con pinturas inspiradas en los cómics; hoy en día parecen desarmantes y juguetonas, pero cuando eran nuevas, parecían sorprendentemente irreverentes. Durante tres décadas, Lichtenstein utilizó de manera divertida una pincelada aislada como emblema del arte elevado. Docenas de pinturas representaban de manera ordenada el rápido trazo de un pincel completamente cargado, con un enfoque metódico que parodiaba la espontaneidad del expresionismo abstracto. Luego, Lichtenstein creó sus primeras esculturas Brushstroke [Pincelada], dando a la "pintura" fluida una presencia física independiente. La monumentalidad de este ejemplo evoca el heroísmo de los pintores del expresionismo abstracto, mientras que su rápida energía caligráfica contradice su forma estática.  

Mike Kelley

Memory Ware Flat #24  and  Memory Ware Flat #25, both 2001

Técnica mixta sobre madera

Prestado por el Museo Glenstone, Potomac, Maryland

Mike Kelley se encontró por primera vez con la tradición folclórica sureña de los recuerdos en 2000. Le encantaba la forma en que estos objetos evocan las alegrías y los traumas de vidas pasadas, “fragmentos desconectados de información” que cuentan historias incompletas. Creó sus propias esculturas de memoria y piezas murales (“planos”) ensamblando botones, amuletos, cuentas, insignias, tapas de botellas, alfileres y monedas en collages que combinan una sensibilidad de tienda de segunda mano con la sofisticación visual del arte abstracto. La fascinación de Kelley por la memoria coincidió con un creciente interés público en los recuerdos reprimidos de traumas tempranos, a raíz de los escándalos de abuso infantil. A lo largo de su carrera, utilizó los materiales más desarmantes y encantadores para desafiar a las autoridades de todo tipo. 

Fred Tomaselli

Flipper [Aleta], 2008

Hojas, collage de fotos, acrílico y resina sobre panel de madera

Prestado por el Museo Glenstone, Potomac, Maryland

Tomaselli es un romántico, diciendo: "Lanzó todas mis obsesiones y amores en la obra... Amo la naturaleza. Amo la jardinería. Amo observar aves, y todo eso entra en la obra. …   Los artistas pueden ayudarte a ver el mundo de nuevo."  

Flipper [Aleta] crea un mundo inmersivo, con ritmos en bucle que evocan ondas sonoras que viajan por el espacio. Tomaselli builds this psychic space by affixing small leaves and flowers and cut-out printed images onto a wood panel, then embedding them in acrylic and polished resin.  His works resemble reliquaries or insects fossilized in amber. Tomaselli grew up in California’s counter-culture world of music and experimentation—playing in bands, designing album covers, and making surfboards, while mastering techniques and ideas for his ambitious art.

Thomas Demand

Bloom [Flor], 2014

C print mounted on plexiglas

Prestado por el Museo Glenstone, Potomac, Maryland

Thomas Demand meticulously constructs physical models from paper as subjects for his photographs. He destroys these hand-crafted models after photographing them. The resulting photographs, then, are the artworks—elaborate artifices that question our relationship to truth. Bloom shows a lush profusion of cherry blossoms that traditionally signify spring’s arrival and the passing of time.  Knowing that every petal was made by hand from paper gives the work a deeper resonance, trading “reality” for “illusion.” Like all Demand’s works, Bloom conceals a disquieting undertone; it shows blossoms seen over a fence at the home of the Boston Marathon bomber.  In Demand’s world, beauty and evil co-exist.

Glenn Ligon

Untitled (America) [Sin título (América)], 2018

Neon and paint

Prestado por el Museo Glenstone, Potomac, Maryland

Glenn Ligon uses texts by favorite authors to reflect on key fault lines in society, such as race and sexuality.  Here the text is a single word, but one rich with myriad meanings for different groups: "America." Spelled in all capital letters, in glowing red neon, and upside down, it conveys a sign of distress. Ligon's works often address the aftershocks of slavery in American life and the continuing struggle for social justice.  He says, "We always imagine that slavery is something in the past and that we as a society have gotten over it… But if you think about slavery as there when our laws and institutions are being created-when our Declaration of Independence is being written, when our courts are being formed-it is this moral dilemma at the core of our democracy and we still feel its effects."

Deborah Butterfield

Milk River, 2019

Painted bronze

Gift of Samuel G. Rose

Deborah Butterfield assembled pieces of driftwood to create Milk River, then cast each piece in bronze, reassembled the metal pieces, and painted them. The sculpture is named for a river in Montana, where the artist works. Butterfield’s horses are unusual in that they are mares, not stallions as is more common in art. She says she wants to make “big beautiful mares that are as strong and imposing as stallions but capable of creation and nourishing life. It is a very personal statement.” The horse is among the most ancient and persistent images in art, familiar even in the caves at Lascaux. Within this long tradition, Butterfield’s mares occupy a special place; they are not work horses, nor transport, nor war horses. Her horses are thrilling and noble reminders of our once-close intimacy with nature.     

Joel Shapiro

Blue, 2019

Aluminio pintado

Gift of the artist

Joel Shapiro’s sculptures explode with the exuberance of youth. Their simple rectangles are assembled like stick figures that magically come alive. Blue is poised in mid-kick, turning the surrounding landscape into a giant stage as it prepares to pirouette across the grass. Shapiro spent two years in India in the Peace Corps, where he was inspired by the integration of art and culture. His sculptures are installed in scores of cities around the world.  They achieve the goal set centuries ago by Egyptian and Greek sculptors—to endow base materials with movement and spirit of life.

Declaration of Independence and Other Works

Kennedy Center Chairman David M. Rubenstein has generously lent one of the few surviving William J. Stone copies of the Declaration of Independence to display at the REACH, engraved on vellum in 1823. In addition to the ten artworks secured through gift and loan, the REACH will also host several pieces by citizen artists including Michelle Ortiz, a 2019-2020 Kennedy Center Citizen Artist Fellow, and brothers Steven and William Ladd, who will be leading a "Scrollathon" workshop during the last week of the Opening Festival.

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