Con seis obras prestadas por el Museo Glenstone y esculturas permanentes de Joel Shapiro y Deborah Butterfield

(WASHINGTON) - El Centro Kennedy anunció hoy su presentación inaugural de arte visual que se presentará en el REACH, el proyecto de expansión del siglo 21 del Centro. Diez obras realizadas en una rica diversidad de medios estarán expuestas en el recinto desde su inauguración, incluyendo seis piezas en préstamo del Museo Glenstone en Potomac, Maryland; esculturas de Joel Shapiro, Deborah Butterfield y Roy Lichtenstein; y un tapiz mural de Sam Gilliam. Todas las obras estarán a la vista del público a partir del 7 de septiembre de 2019.

“Mientras nos preparamos para abrir por primera vez las puertas del REACH —con una celebración de 16 días repleta de actividades de artes escénicas— invitamos a los visitantes a hacer una pausa y reflexionar sobre esta colección de obras visuales que complementa nuestra programación artística habitual”, comenta Deborah F. Rutter, presidenta del Kennedy Center. "Estamos increíblemente agradecidos a todos los artistas y galerías, especialmente a Glenstone, cuyas obras adornarán el nuevo campus, compartiendo un legado de arte visual que se extiende desde la época del presidente John F. Kennedy hasta hoy".

“Para Glenstone es un honor contribuir a la celebración de la ampliación del Kennedy Center, y aplaudimos sus esfuerzos por aumentar el acceso del público a uno de los tesoros de nuestra nación”, añade Emily Wei Rales, directora y cofundadora del Museo Glenstone. “Las obras de Glenstone en préstamo abarcan el período desde la presidencia de JFK hasta 2018, y representan la diversidad de orígenes y perspectivas que constituye la esencia de nuestra democracia. Esperamos que sontibuyan a enriquecer la nueva y magnífica experiencia que el Kennedy Center ofrece al público".

Las seis obras en préstamo de Glenstone para la inauguración del REACH establecen el comienzo de un programa de préstamo entre el Kennedy Center y Glenstone, con el potencial de ceder decenas de obras en los próximos años. Las 10 obras en exhibición —medio siglo de arte visual que incluye pinturas, esculturas, fotografías y ensamblajes de técnica mixta— reflejan una amplia variedad de expresiones, desde la abstracción estética pura hasta el compromiso social directo. Todas las obras han sido obtenidas mediante donaciones y préstamos especialmente para el REACH.

ACERCA DE GLENSTONE

Glenstone, un museo de arte moderno y contemporáneo, se encuentra ubicaso en casi 300 acres de pastizales suavemente ondulados y bosques vírgenes en el condado de Montgomery, Maryland, a menos de 15 millas del corazón de Washington, D.C. Establecido por la Fundación Glenstone sin fines de lucro, el museo abrió sus puertas en 2006 y ofrece un entorno contemplativo e íntimo para experimentar obras de arte y arquitectura icónicas dentro de un entorno natural.

Glenstone abre de jueves a domingo, de 10 a. m. a 5 p. m. Los visitantes también pueden explorar el recinto o participar en recorridos autoguiados de esculturas de 12 a 4 p. m., cuando los guías están presentes. La entrada a Glenstone es gratuita y las visitas se pueden programar en línea en: glenstonestag.wpengine.com. Las visitas en el mismo día se pueden programar a través del sitio web o un teléfono inteligente.

ACERCA DE LAS OBRAS

Faith Ringgold

American People Series #4: The Civil Rights Triangle [Pueblo Americano, Serie 4: El Triángulo de los Derechos Civiles], 1963

Óleo sobre lienzo

Prestado por el Museo Glenstone, Potomac, Maryland

Faith Ringgold pasó el verano de 1963 en Martha’s Vineyard, alojándose con una amiga que era miembro de la NAACP y participaba en el movimiento por los derechos civiles que estaba transformando rápidamente el país. Ringgold observó las incómodas interacciones sociales entre negros y blancos y se inspiró para crear American People Series [Serie Pueblo americano] acerca de "la paradoja de la integración que sienten muchos estadounidenses negros". Las figuras de Ringgold no son individuos específicos, pero reflejan la estructura política dentro del movimiento. Un hombre blanco está en la cúspide de este triángulo, aludiendo al liderazgo blanco dominante desde hace mucho tiempo en la NAACP. Dos hombres afroamericanos con trajes pueden hacer referencia al papel destacado de los abogados de la NAACP, así como al de los pastores en la iglesia negra. Dos jóvenes negros forman la base, posiblemente miembros de los consejos juveniles que fueron los “soldados rasos” del movimiento. Ringgold, una feminista apasionada, era muy consciente de que las mujeres no habían encontrado un lugar en el movimiento por los derechos civiles, y creía que “el mundo ignoraba a las mujeres de todas las razas”.  Aborda temas de identidad e igualdad como artista, escritora, performer, activista social y profesora. Hoy en día es más conocida por sus colchas narrativas figurativas. 

Sam Gilliam

Carousel Light Depth [La profundidad de luz del carrusel], 1969

Acrílico sobre lienzo

Cedida por el artista

Sam Gilliam llevó la espontaneidad artística a nuevos niveles, permitiendo que la pintura acrílica diluida fluyera sobre el lienzo como un río de colores vibrantes y luminosos. Luego, liberó el lienzo del bastidor para que flotara libremente, enrollándose y plegándose en arreglos sensuales. Carousel Light Depth [La profundidad de la luz del carrusel] es de 75 pies de tela, deslumbrantemente saturada de rosas, morados, verdes, azules y plateados, fruncidos y drapeados, majestuosos en su vasta extensión. Gilliam estuvo firmemente comprometido con la abstracción estética durante una década marcada por tensiones raciales y una guerra controvertida. Pero en el mismo año que hizo Carousel Light Depth [La profundidad de la luz del carrusel], también creó un conmovedor tributo a Martin Luther King, donde las manchas rojas y moradas evocan las heridas sangrantes del mártir defensor de los derechos civiles y activista contra la guerra. Gilliam sirvió tres años en el Ejército, luego se mudó de Louisville a Washington, D.C. en 1962.  Sus amplios lienzos y colores exuberantes evocan el optimismo renovado de la presidencia juvenil de John F. Kennedy.  Su arte ha sido celebrado en museos y colecciones de todo el mundo durante décadas

Roy Lichtenstein

Brushstroke [Pincelada], 1996-97

Aluminio pintado

Cedido por el Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn

Roy Lichtenstein irrumpió en el mundo del arte a principios de los años 1960 con pinturas inspiradas en los cómics; hoy en día parecen desarmantes y juguetonas, pero cuando eran nuevas, parecían sorprendentemente irreverentes. Durante tres décadas, Lichtenstein utilizó de manera divertida una pincelada aislada como emblema del arte elevado. Docenas de pinturas representaban de manera ordenada el rápido trazo de un pincel completamente cargado, con un enfoque metódico que parodiaba la espontaneidad del expresionismo abstracto. Luego, Lichtenstein creó sus primeras esculturas Brushstroke [Pincelada], dando a la "pintura" fluida una presencia física independiente. La monumentalidad de este ejemplo evoca el heroísmo de los pintores del expresionismo abstracto, mientras que su rápida energía caligráfica contradice su forma estática.  

Mike Kelley

Memory Ware Flat #24 y Memory Ware Flat #25 [murales realizados con la técnica memory ware, que utiliza objetos cotidianos con significado personal y que apela a los recuerdos y la memoria], ambos de 2001

Técnica mixta sobre madera

Prestado por el Museo Glenstone, Potomac, Maryland

Mike Kelley se encontró por primera vez con la tradición folclórica sureña de los recuerdos en 2000. Le encantaba la forma en que estos objetos evocan las alegrías y los traumas de vidas pasadas, “fragmentos desconectados de información” que cuentan historias incompletas. Creó sus propias esculturas de memoria y piezas murales (“planos”) ensamblando botones, amuletos, cuentas, insignias, tapas de botellas, alfileres y monedas en collages que combinan una sensibilidad de tienda de segunda mano con la sofisticación visual del arte abstracto. La fascinación de Kelley por la memoria coincidió con un creciente interés público en los recuerdos reprimidos de traumas tempranos, a raíz de los escándalos de abuso infantil. A lo largo de su carrera, utilizó los materiales más desarmantes y encantadores para desafiar a las autoridades de todo tipo. 

Fred Tomaselli

Flipper [Aleta], 2008

Hojas, collage de fotos, acrílico y resina sobre panel de madera

Prestado por el Museo Glenstone, Potomac, Maryland

Tomaselli es un romántico, diciendo: "Lanzó todas mis obsesiones y amores en la obra... Amo la naturaleza. Amo la jardinería. Amo observar aves, y todo eso entra en la obra. …   Los artistas pueden ayudarte a ver el mundo de nuevo."  

Flipper [Aleta] crea un mundo inmersivo, con ritmos en bucle que evocan ondas sonoras que viajan por el espacio. Tomaselli construye este espacio psíquico fijando pequeñas hojas y flores, así como imágenes impresas recortadas, sobre un panel de madera, para luego incrustarlas en acrílico y resina pulida.  Sus obras se asemejan a relicarios o insectos fosilizados en ámbar. Tomaselli creció en el mundo contracultural de California, rodeado de música y experimentación: tocaba en bandas, diseñaba portadas de discos y fabricaba tablas de surf, mientras perfeccionaba técnicas e ideas para su arte ambicioso.

Thomas Demand

Bloom [Flor], 2014

Impresión C montada sobre plexiglás

Prestado por el Museo Glenstone, Potomac, Maryland

Thomas Demand construye meticulosamente modelos físicos a partir de papel como sujetos para sus fotografías. Destruye estos modelos hechos a mano después de fotografiarlos. Las fotografías resultantes, entonces, son las obras de arte, artificios elaborados que cuestionan nuestra relación con la verdad. Bloom [Flor] muestra una exuberante profusión de flores de cerezo que tradicionalmente significan la llegada de la primavera y el paso del tiempo.  Saber que cada pétalo fue hecho a mano con papel le da a la obra una resonancia más profunda, intercambiando la “realidad” por la “ilusión”. Como todas las obras de Demand, Bloom [Flor] esconde un trasfondo inquietante; muestra flores vistas por encima de una cerca en la casa del autor del atentado del Maratón de Boston.  En el mundo de Demand, la belleza y el mal coexisten.

Glenn Ligon

Untitled (America) [Sin título (América)], 2018

Neón y pintura

Prestado por el Museo Glenstone, Potomac, Maryland

Glenn Ligon utiliza textos de sus autores favoritos para reflexionar sobre las principales fallas de la sociedad, como la raza y la sexualidad.  Aquí el texto es una sola palabra, pero rica en miríadas de significados para diferentes grupos: "América". Escrita en mayúsculas, en neón rojo brillante y al revés, transmite una señal de angustia. Las obras de Ligon abordan con frecuencia las secuelas de la esclavitud en la vida estadounidense y la lucha continua por la justicia social.  Dice: "Siempre imaginamos que la esclavitud es algo del pasado y que nosotros, como sociedad, ya lo hemos superado… Pero si piensas en la esclavitud como algo presente cuando se están creando nuestras leyes e instituciones—cuando se redacta nuestra Declaración de Independencia, cuando se están formando nuestros tribunales—es este dilema moral en el núcleo de nuestra democracia y aún sentimos sus efectos."

Deborah Butterfield

Milk River [Río de la leche], 2019

Bronce pintado

Regalo de Samuel G. Rose

Deborah Butterfield ensambló piezas de madera flotante para crear Milk River [Río de la leche], luego fundió cada pieza en bronce, reensambló las piezas metálicas y las pintó. La escultura lleva el nombre de un río en Montana, donde trabaja el artista. Los caballos de Butterfield son inusuales en el sentido de que son yeguas, no sementales como es más común en el arte. Dice que quiere hacer "yeguas grandes y hermosas que sean tan fuertes e imponentes como los sementales, pero capaces de crear y nutrir la vida. Es una declaración muy personal". El caballo es una de las imágenes más antiguas y persistentes del arte, familiar incluso en las cuevas de Lascaux. Dentro de esta larga tradición, las yeguas de Butterfield ocupan un lugar especial; no son caballos de trabajo, ni de transporte, ni de guerra. Sus caballos son emocionantes y nobles recordatorios de nuestra antigua cercanía con la naturaleza.     

Joel Shapiro

Blue [Azul], 2019

Aluminio pintado

Regalo del artista

Las esculturas de Joel Shapiro explotan con la exuberancia de la juventud. Sus simples rectángulos están ensamblados como figuras de palitos que mágicamente cobran vida. Blue [Azul] está suspendida en medio de una patada, transformando el paisaje circundante en un gran escenario mientras se prepara para girar sobre la hierba. Shapiro pasó dos años en la India en el Cuerpo de Paz, donde se inspiró en la integración del arte y la cultura. Sus esculturas están instaladas en decenas de ciudades de todo el mundo.  Logran el objetivo establecido hace siglos por los escultores egipcios y griegos: dotar a los materiales básicos de movimiento y espíritu de vida.

Declaración de Independencia y otras obras

El presidente del Centro Kennedy, David M. Rubenstein, ha prestado generosamente una de las pocas copias supervivientes de la Declaración de Independencia de William J. Stone para exhibirla en el REACH, grabada en pergamino en 1823. Además de las diez obras aseguradas mediante donaciones y préstamos, el REACH también albergará varias piezas de artistas ciudadanos, entre ellos Michelle Ortiz, becaria del programa Citizen Artist del Kennedy Center en 2019-2020, y los hermanos Steven y William Ladd, quienes liderarán un taller de “Scrollathon” durante la última semana del Festival de Apertura.

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