Glenstone mantiene un programa activo de préstamos, prestando arte a otros museos para que pueda ser visto más ampliamente por el público. Este verano, los visitantes del Museo de Arte del Condado de Orange tendrán la oportunidad de ver obras de la colección de Glenstone en Raymond Saunders: Flowers from a Black Garden, del 26 de junio de 2026 al 3 de enero de 2027. Para celebrar la próxima exposición, Glenstone convocó a Alice Craigie, conservadora de pinturas que se desempeña como becaria de pintura moderna en la Galería Nacional de Arte, y a Steven O'Banion, director de conservación de Glenstone, en una conversación sobre la práctica de Saunders y las sorpresas ocultas en las pinturas de múltiples capas del artista.

GLENSTONE
Alice, estamos muy emocionados de hablar contigo hoy. ¿Puedes contarnos un poco sobre ti y tu historia como conservador?

ALICE CRAIGIE
Soy becario de pintura moderna en la Galería Nacional de Arte. Ahora estoy en mi cuarto año y me ocupo exclusivamente de pinturas modernas y contemporáneas. Inicialmente llegué a la conservación estudiando bellas artes como pintor. Debido a que llegué como pintor, y debido a que tengo una gran pasión por la observación cercana, terminé enamorándome de la conservación. Hice una licenciatura de cuatro años en Bellas Artes después de la escuela, y luego una formación en conservación en el Courtauld durante tres años en Londres. Y luego trabajé en un estudio privado moderno y contemporáneo, Julia Nagle Conservation, en el centro de Londres, seguido de un trabajo en la Tate. Después de eso, vine a los Estados Unidos y comencé a trabajar en la Galería Nacional de Arte. Ha sido una trayectoria realmente emocionante de trabajar en una mezcla de estudios privados e instituciones de clase mundial y trabajar con una gran cantidad de conservadores increíbles en el camino.

GLENSTONE 
¿Puedes contarnos un poco sobre Raymond Saunders y su práctica?

ALICE CRAIGIE
Sí, absolutamente, nació en Pittsburgh en 1934. Estudió en muchos tipos diferentes de programas de formación en Estados Unidos, como el Instituto Carnegie de Tecnología y en California, y también obtuvo una formación significativa en Europa, que parecía desempeñar un papel realmente fundamental. Terminó viviendo en California, lo cual, cuando lees sus escritos, se debe en parte a que realmente quería trabajar en un lugar cálido. Habló de ir y venir a Nueva York porque obviamente había centros del mundo del arte allí, pero en realidad no tenía el clima que él quería. Así que esa es parte de la razón por la que se quedó en Oakland.

También fue un educador durante toda su vida, y parecía inspirarse en el entorno urbano circundante y en las cosas que veía. En algún momento pasó de hacer obras más tradicionales a cosas como Estrella Roja, una pintura suya en la que trabajé para la National Gallery. Está estirado como un lienzo tradicional, pero también tiene elementos de ensamblaje. E incluso más tarde, su trabajo podría ser algo que incorpora una lata de pintura o una puerta que se apoya contra una pared que se convierte más en una pieza escultórica en cierto modo.

Fue un artista increíble que creo que no obtuvo el tipo de credibilidad y visibilidad que debería tener en su vida. Ciertamente, es un artista que no conocía hasta que llegué a la Galería Nacional de Arte. Pero tuvo una influencia muy duradera. Basquiat, por ejemplo, se inspiró mucho en él, y cuando miras el trabajo de Basquiat, realmente puedes ver esa influencia allí.

GLENSTONE
Mencionaste Estrella Roja, que es una pintura sobre la que has investigado un poco en la Galería Nacional de Arte. ¿Puedes hablarnos de ese proyecto?

ALICE CRAIGIE
Estrella roja, de 1970 años, fue una de las primeras pinturas en las que trabajé cuando llegué a la National Gallery. Fue un tratamiento de conservación sencillo, pero luego se convirtió en un proyecto que me apasionaba. Es una pieza con tantas capas que realmente me atrajo ver exactamente cómo podría haberlo hecho. El tratamiento inicial en sí fue simplemente volver a estirar el lienzo en un nuevo bastidor, desafortunadamente se había desalineado a lo largo de los bordes la última vez que se volvió a estirar. Así que lo volví a poner en un bastidor nuevo y luego consolidé los bordes donde se habían volteado, retocando algunas de esas pequeñas pérdidas de pintura.

Fue un tratamiento muy mínimo, pero me brindó ti10Imagen 2-up (simétrica)addexpandmore-dots ImagesAttach images Anchor IDOptional. Úselo para enlaces directos (por ejemplo, nombre #section). Usar letras minúsculas, números y guiones only.me para investigar algunas de las marcas, y luego también utilicé el hecho de que en la NGA tenemos el equipo para hacer rayos X e infrarrojos. Tuve la suerte de trabajar con nuestro increíble técnico Douglas Lachance para capturarlos.

Las imágenes infrarrojas generalmente nos ayudan a ver cosas que tal vez están debajo de la superficie y que podrían ser ricas en carbono. Hicimos imágenes infrarrojas y esperaba ver dibujos oscurecidos, pero no sabía necesariamente cuánta información vería. A veces, no se sabe realmente cómo se presentarán los materiales sintéticos o modernos con estas técnicas de imagen. Pero el infrarrojo reveló información sobre los fragmentos de collage que estaban en la parte inferior de la pintura. Y entre una combinación de lo que pude ver en la superficie y lo que encontré en el infrarrojo, pude identificar que uno de esos fragmentos era un billete de África Occidental, lo cual fue realmente interesante. ¡Eso fue muy divertido! Cuando miro la obra de arte ahora, se siente bastante obvio porque puedes ver parte de la cara allí y un poco de un "100" en rojo. Pero todas esas pistas encajan con lo que se podía ver en el infrarrojo.

También había un fragmento que había sido arrancado y colocado por separado en la pintura y en el infrarrojo notamos que tenía un texto muy legible. Estaba al revés, supongo que había sido colocado mirando hacia la pintura, y cuando le di la vuelta, se cosieron. Rápidamente descubrí que era para un anuncio de relojes Tissot de finales de los años 60. A través de una investigación adicional, descubrí que podía averiguar lo que había en el frente de la pintura, ¡y esa era una imagen de un Romare Bearden collage! Esto fue interesante porque se habían conocido: Bearden es obviamente mayor que Saunders, y es alguien a quien Raymond Saunders habría admirado y conocido como artista. Pero esa obra de arte, Bearden's Soul Histories, es una pieza que se hizo justo el año anterior a Red Star. Así que mi teoría es que debe haber sido reproducido en la revista del New York Times, y Saunders inmediatamente, supongo, se angustiaba y rompía ese fragmento y lo incorporaba a su artículo.

Pero creo que es algo realmente fascinante con Saunders: crea cosas, quiere que estos fragmentos estén ahí, pero tampoco quiere que sean visibles para todos. Tiene la collage y el dinero allí, pero también lo cubrió con esta pintura amarilla más opaca, por lo que solo podrías encontrarlo. Si estuvieras buscando allí y tal vez estuvieras familiarizado con el dinero, podrías hacer esa conexión si fuera personal para ti. Es como si lo quisiera allí, pero no necesariamente quería que fuera legible, lo cual es interesante.

GLENSTONE
Steven, ¿qué nos puedes contar sobre la historia de las obras de Saunders en las colecciones de Glenstone?

STEVEN O'BANION
En Glenstone, tenemos la suerte de ser los administradores de seis obras de arte de Raymond Saunders, cinco de las cuales son pinturas de collage y una, como Alice mencionó anteriormente, una especie de cruce de la frontera entre la pintura, la escultura y la instalación. Eso es Sin título de 1995. En realidad es una serie de cinco puertas que se apoyan contra una pared, y tienen componentes en collage y encima de ellas, pero también al escuchar a Alice hablar sobre su investigación que hizo en la NGA con Red Star, vi muchos paralelismos entre la historia de esa pintura y su naturaleza en capas, y la pintura Dr. Jesús, que es de 1968 y 1986. Nótese la doble datación allí: es una pintura originalmente de 1968 que luego fue reelaborada, y Estrella Roja es de 1970, sus orígenes son de un período similar a Estrella Roja.

Así que en la historia del Dr. Jesús, y afortunadamente tenemos que agradecer al historiador del arte Dr. Richard Powell por esta documentación, la pintura se hizo originalmente en 1968 y el lienzo estaba orientado horizontalmente y presentaba una representación de Mickey Mouse y las palabras "Dios" y "bueno". Y fue, al principio de su carrera, una de las obras más reproducidas de Saunders. Varias instituciones estaban tratando de adquirirlo, incluyendo el Whitney y la Academia de Pensilvania. Pero Saunders lo conservó en su colección personal y, en 1986, le dio la vuelta a la pintura y la repintó por completo. La nueva composición es en gran parte de color verde pálido con iconografía cruzada y algunos tonos amarillos dorados. En su mayoría oscurece la pintura anterior que se encuentra debajo de ella. Verdaderamente, el principal indicio de que hay una pintura debajo es que si miras la parte posterior de la obra de arte, puedes ver las etiquetas originales mirando en la otra dirección y luego las flechas que indican la nueva dirección para el repintado. Saunders habló de esto: sabía que esa pintura original todavía estaba allí, así que no es un error. Él sabe que está ahí, así que todavía está allí. Eso es lo que me encanta del trabajo de Alice en Red Star: el uso de radiografía irfrared puede penetrar esas capas superiores de pinturas, y encontraron a través del análisis imágenes que no podríamos ver de otra manera, y creo que será interesante a medida que el trabajo de Raymond Saunders continúe en el futuro y esté entrando en las colecciones de muchas instituciones. Hay más joyas ocultas que podremos seguir descubriendo. En muchos sentidos, Alice, estás colocando una piedra angular y creando más investigación histórica del arte sobre el trabajo de alguien que no recibió lo que le correspondía en vida.

ALICE CRAIGIE
¡Sí, absolutamente!

GLENSTONE
¿Qué esperan que la gente obtenga al ver el espectáculo en el museo del Condado de Orange, como profesionales de la conservación? Alice, especialmente como experta que conoce al menos una pintura quizás más profundamente que muchos especialistas de Saunders que trabajan hoy en día, ¿qué esperas que la gente se lleve?

ALICE CRAIGIE
Fue un privilegio poder pasar tanto tiempo con el Estrella Roja. Incluso después de haber pasado todo el tiempo que tengo, sigo viendo cosas nuevas cada vez que lo vuelvo a mirar. Lo increíble de ver la exposición en el Museo Carnegie de Pittsburgh fue tener tantas de estas obras juntas. Hay tantas marcas o imágenes que se repiten una y otra vez. Por ejemplo, una de mis pequeñas características favoritas es que a menudo dibujaba estos pequeños 'puntos'. Están en muchas pinturas diferentes, pero están abstraídos en diversos grados y están representados en Red Star, pero no supimos lo que eran durante mucho tiempo y nuestro curador se refirió a ellos como "gominolas". Y no fue hasta que miré otras pinturas en las que creo que en realidad había dibujado ese contorno y luego había escrito "puntos, el caramelo favorito de mamá" que ahí es donde realmente hice la conexión. Así que son Dots, el caramelo. Y luego, en otro trabajo, rompió la caja de Dots y la incluyó. Pero creo que hay muchos hilos comunes que se repiten, y ese es uno de ellos. Es un guiño a su madre. Y eso me encanta. No podemos conocer todos estos símbolos en su léxico personal porque no nos dijo cuáles son, pero realmente espero que la gente pueda encontrar sus propias pequeñas conexiones con solo dar una vuelta por el programa.

GLENSTONE
Steven, ¿hay algo que quieras añadir a eso?

STEVEN O'BANION
Dos cosas: creo que es maravilloso que la retrospectiva comenzara en el Museo Carnegie de Pittsburgh, donde el artista creció, y que la segunda sede sea en la costa oeste, donde pasó gran parte de su tiempo. Así que parece muy apropiado que el artista sea homenajeado en el Museo Carnegie y en el Museo de Arte del Condado de Orange. Lo segundo es que antes de que las obras entraran en la colección de Glenstone, el único lugar donde pude verlas fue en los libros de texto de historia del arte. Con una exposición como esta, se puede ver mucho más de lo que se puede reproducir en los libros. Como decía Alicia: se puede ver el contorno de un billete, se puede empezar a decodificar los diferentes materiales con los que trabajaba el artista y cómo los manipulaba. Y eso solo se hace a través de pasar tiempo con la obra y relacionarla con el significado de su obra. Sus materiales no siempre son evidentes de inmediato, como tampoco lo son sus composiciones. A veces está trabajando con símbolos y tú estás mirando la pieza y tratando de averiguar lo que esos símbolos pueden o no haber significado.

GLENSTONE
Para terminar: ¿Tiene algo que decir a las personas que consideran la conservación como una carrera?

ALICE CRAIGIE
Creo que es un poco diferente venir del Reino Unido a los Estados Unidos. Pero creo que, sinceramente, tener pasión por los objetos y por su cuidado y preservación futura es clave. Eso debe ser lo que te impulsa más que cualquier otra cosa. Tienes que amar realmente la obra de arte.

GLENSTONE
Steven, ¿algo de ti?

STEVEN O'BANION
Lo que me encanta es que la conservación es una profesión que flota en el medio. Es un poco de ciencia, pero también es un poco de entender a las personas y lo que estaban tratando de hacer. Si realmente no entiendes lo que el artista estaba tratando de hacer, es difícil preservar la obra de arte de la manera correcta. Así que lo que me encanta de la conservación es que podemos trabajar con expertos en todos los campos, historiadores del arte, científicos, científicos de materiales y extraer todo ese conocimiento para documentar y preservar las obras de arte para las generaciones futuras.

GLENSTONE  
¡Muchas gracias a ambos por su tiempo!