Los días 28 y 2018 de noviembre, Glenstone Museo celebró un panel público para discutir los orígenes de la expansión del museo. Lea un extracto de esa conversación, que entrelaza la arquitectura, el arte y la naturaleza, a continuación.

Paul Goldberger: ¿Qué te hizo querer expandirte más allá de la Galería? 

Mitchell P. Rales: Creo que disfrutamos de la experiencia de ver a la gente con caras felices, disfrutando del arte y de la integración de la naturaleza y la arquitectura. Así que decidimos que esta era nuestra oportunidad de ir a por ello, de intentar crear algo que no se haya creado en ninguna parte del mundo. Viajamos bastante, y vemos una magnífica arquitectura, arte y naturaleza, y todas estas cosas informan nuestras opiniones. A veces se ven dos de esos componentes juntos, pero es un fenómeno raro ver los tres perfectamente integrados. Aprendimos lecciones profundas de los diferentes lugares a los que fuimos, y regresamos cada vez con un punto de vista más informado. Para nosotros, se trataba de darle al visitante una experiencia diferente. Todos formamos nuestras vidas y nuestro pensamiento a través de nuestras experiencias. Y puedo pensar en un par de mis propias experiencias en el mundo del arte que fueron formativas: cuando me senté en el suelo del Reina Sofía de Madrid durante veinte minutos frente al Guernica de Picasso, y nadie me echó de la sala. Realmente no comienzas a ver la imagen durante los primeros diez minutos, y luego, de repente, ves la civilización desarrollándose frente a tus ojos, y aprendes mucho. Necesitas ese tiempo para comprometerte con el arte y entenderlo realmente de una manera significativa y saludable. O la experiencia de ver La joven de la perla de Vermeer y poder pararse frente a ella durante diez minutos... Fue algo extraordinario. Así que queríamos crear este tipo de experiencias que no se pudieran replicar en ningún otro lugar. 

Emily Wei Rales: Al principio, fue más una función del hecho de que nos estábamos quedando sin espacio para la colección, que continuó creciendo a un ritmo bastante rápido, a pesar de que el edificio estaba terminado. Estábamos viendo el volumen de trabajo que entraba en la colección y no queríamos que se quedara almacenado; Estamos muy comprometidos con la noción de que el arte necesita ser visto en el mundo para que pueda hacer su magia con sus audiencias. Y así, casi tan pronto como abrimos la Galería, nos pusimos a trabajar con Adam en el plan maestro de la propiedad. La propiedad no era tan grande entonces, porque habíamos estado trabajando muy duro durante los últimos años para expandir nuestra huella física. Sabíamos que era hora de pensar en la visión a largo plazo de esta propiedad y en cómo podíamos movilizar nuestros activos. Así que empezamos a pensar en cómo podría ser otro edificio: no queríamos otra ala en la Galería, eso no tendría sentido. Necesitábamos maximizar esta tierra extraordinaria, honrar su historia y su vida anterior como una propiedad de caza de zorros y, al mismo tiempo, crear algo nuevo y diferente. Fue entonces cuando Tom entró en escena. Aprendimos mucho en el camino, como dijo Mitch, viajando por todo el mundo y mirando museos y otros precedentes, a veces ni siquiera eran museos. Hubo un gran viaje que hicimos al cementerio de Brion en Italia, donde hay un patio de agua plantado con estos hermosos especímenes. Por supuesto, la función de ese espacio es muy diferente, es un monumento, pero estábamos realmente enamorados del lenguaje arquitectónico y queríamos traerlo de vuelta a este entorno. 

PG: ¿Qué otros lugares o instituciones fueron particularmente influyentes para usted? Antes de empezar a trabajar con Tom en este nuevo edificio, ¿qué lugares eran los más importantes?  

EWR: En la parte superior de la lista estaría el Museo de Arte Moderno de Luisiana, en las afueras de Copenhague. Siempre nos ha enamorado la forma en que el paisaje ocupa un lugar tan destacado allí, incluso en los espacios interiores. Puedo imaginar en mi mente ese espacio con las ventanas muy, muy altas, donde a menudo instalan una escultura del Hombre de Giacometti, y el telón de fondo es este exuberante jardín verde. Esos momentos en los que la naturaleza y el arte se unen con una arquitectura muy sensible son los que más nos impactaron. También hay una pasarela donde se ve a la Mujer Cuchara, otra escultura de Giacometti; El concepto de procesión de esa pasarela, de ir de un espacio a otro mientras pasas por la arquitectura que enmarca el mundo natural antes de volver a entrar en un espacio formal puramente estético, eso fue realmente formativo para nosotros.  

MPR: Hay tantos lugares diferentes en todo el mundo que vimos. El Kolumba en Colonia, Alemania, es un museo del catolicismo. Tenían una gran habitación con estos techos de treinta o cuarenta pies, y recuerdo que entré y vi una sola pintura del siglo XIII en un caballete. Fue extraordinario; Fue una de las grandes experiencias que hemos tenido. Puedes ir a lugares como la Colección Menil; el carácter de la luz natural que entra en el edificio y el entorno tipo campus, con una serie de edificios repartidos por todo el paisaje. La experiencia de la naturaleza absoluta en la Fundación Beyeler en Suiza fue informativa. Incluso nuestro almacén de arte se ha visto influenciado por nuestros viajes. Ese espacio tiene el nombre de Andreas Gursky escrito por todas partes, porque cuando vimos su almacén, realmente resonó con nosotros, así que nos inspiramos en él. Incluso podrías bajar a lugares como el muelle de carga, ¡que también proviene de experiencias informadas que tuvimos en otros lugares! 

PG: Tom, ¿quieres responder con la forma en que recuerdas ese proceso, desde tu lado de la mesa, por así decirlo?  

Tom Phifer: Ese proceso fue inusual porque fue reflexivo. Creo que la mayoría de los procesos de selección están llenos de estrés y no son particularmente reconfortantes para los arquitectos. Pero este era diferente; Escuché mucho y hubo un verdadero espíritu de cooperación durante esos primeros meses. La forma en que empezamos fue probablemente lo más importante: no empezamos con dibujos, empezamos con una colección de imágenes encontradas que empezaron a dar forma a la historia de lo que debería ser este lugar.

PG: Adam, has estado trabajando en el diseño de esta propiedad desde antes de que Tom estuviera aquí; ¿Puedes hablarnos de cómo ha evolucionado la visión de la tierra y de cómo tú y Tom habéis colaborado en ello?  
 
Adam Greenspan: Para mí, una comprensión completa de cómo se pueden integrar las experiencias de la naturaleza, el arte y la arquitectura surgió durante la primera fase de Glenstone. Sé que eso se convirtió en la misión o fue originalmente la misión y el objetivo de Glenstone. Creo que inicialmente las partes podrían haber sido pensadas como más separadas: arquitectura, paisaje y arte. Gracias a la cercanía de Mitch y Emily con Charlie Gwathmey, y al trabajo que habíamos hecho, y a la profunda inversión de Mitch y Emily en todos los componentes, pudimos hacer algo que fue más transformador de lo que se esperaba originalmente. Movimos doscientos árboles existentes en el sitio en ese primer proyecto, y renivelamos el suelo en todo el sitio para que se sintiera más natural que antes, y luego permitimos que los sistemas naturales se llevaran a cabo en ese terreno.

Me sorprendió en ese momento: Mitch y yo estábamos caminando por la noche cuando estábamos colocando árboles, y me sorprendió lo interesado que estaba en el destino de cada árbol. Eso es algo que ha continuado en muchos más acres durante muchos años más. Cuando Mitch y Emily estaban en el proceso de seleccionar un arquitecto, nos sugirieron como una voz y un colaborador en el esfuerzo. Todos los arquitectos fueron libres de llamarnos y trabajar con nosotros. Tom fue el que realmente se lo tomó en serio y repasó todas las ideas sobre cómo se puede conectar la arquitectura con la naturaleza a través de la luz y el espacio, y cómo conectar la experiencia de la naturaleza, el arte y la arquitectura a través de la experiencia de las personas en el sitio. Esa primera idea de separar la llegada vehicular de las personas aquí, hacer que se bajen de sus autos en un sitio apartado, realmente se fusionó con algo que se había desarrollado en la otra propiedad, que era que queríamos que los visitantes comenzaran a apreciar la naturaleza a medida que se dirigían a la entrada de los Pabellones y se vieran afectados por ella. De la misma manera que pueden verse afectados por el arte y la arquitectura, porque todas estas cosas pueden conectarte con algo que es más existencial. Lo que distinguía a Tom es que se dedicaba a trabajar juntos y a pensar en ello de forma holística. 

En 2018, el Museo Glenstone abrió los Pavilions, parte de una expansión que incluye espacio de exposición adicional y más de 130 acres adicionales de terreno. Diseñado por Thomas Phifer, los Pavilions cuentan con 11 espacios de galería diferentes. Glenstone: los Pavilions cuenta con fotografías del aclamado fotógrafo de arquitectura Iwan Baan, así como contribuciones del historiador y crítico de arquitectura Paul Goldberger; del arquitecto, conservacionista e historiador Michelangelo Sabatino; y de la arquitecta y curadora Susana Ventura.

Esta publicación documenta la evolución del diseño y la construcción de los Pavilions, comenzando con la selección del estudio de arquitectura Thomas Phifer and Partners in 2010 y culminando con un portafolio de imágenes del proyecto terminado capturadas por el renombrado fotógrafo de arquitectura Iwan Baan. Para destacar el proceso de colaboración detrás de los Pavilions, este libro presenta una transcripción de un panel de discusión celebrado en Glenstone en 2018 en el que los fundadores de Glenstone, Mitchell P. y Emily Wei Rales, conversaron con Phifer y el paisajista Adam Greenspan de Peter Walker and Partners. Paul Goldberger, el destacado historiador y crítico de arquitectura, moderó la discusión, luego de haber servido como asesor durante el proceso de selección arquitectónica y a lo largo de cada fase del diseño, y también ha contribuido al presente volumen con un ensayo. Dos textos adicionales brindan comentarios perspicaces: el arquitecto, conservacionista e historiador Michelangelo Sabatino elabora sobre la tipología de los Pavilions y sitúa a Glenstone dentro de la historia de la arquitectura de museos, y la arquitecta y curadora Susana Ventura medita sobre la experiencia estética intensificada del visitante al moverse a través del edificio.

El libro está disponible para su compra en la librería de Glenstone.